台中台，戏中戏；600年昆曲遭遇不锈钢戏台，是两种艺术“混搭”，也是现代永久性物质材料与不朽的非物质遗产的精神合一。当100年前中国大地上还遗存10万戏台，而今不及十分之一时，国家大剧院里出现了别样的艺术风景。

昆曲《游园惊梦》在陈志光装置艺术“古戏台”演出

　　“一边儿燕喃喃软又甜，一边儿莺呖呖脆又圆。一边蝶飞舞，往来在花丛间。一边蜂儿逐趁，眼花缭乱。一边红桃呈艳，一边绿柳垂线，似这等万紫千红齐装点……”婉转低回的唱腔，唯美优雅的身段，举手投足之间，看得人几欲入了化境。且慢！镜头逐渐拉远，再瞧这一出《游园惊梦》究竟在何处上演？但见二位昆曲名角儿虽着旧时戏服，身处却是一座极具现代感的不锈钢戏台！

　　在这个夏天走进国家大剧院的人，相信谁也不会对这座新落户的戏台视而不见，因为它实在太过“夺目”：地处距离戏剧场入口不远的显要位置；整体高度约8米，占地面积将近30平方米；通体采用不锈钢材质锻造而成——这座看上去亮闪闪、明晃晃的戏台，其实是艺术家陈志光耗时1年、为国家大剧院“量身定做”的一件装置作品。

　　当有着600年历史的昆曲与崭新的“古戏台”相遇，确有几分奇幻之感，落座台下，不知今夕何夕。《古戏台》如此炫目的“存在感”之于表演本身，是否会喧宾夺主，甚至本末倒置？传统与现代之间的此次穿越，又究竟为了哪般？陈志光直言，他要用不锈钢表达“不朽”之意。

　　戏台本身也是艺术形象

　　“人生如戏，戏如人生。无论是旧时的戏台，还是如今国家大剧院中最为先进的各式舞台，它们承载着不同的艺术形式，同时也伴随着由古至今一代代人的生老病死、喜乐悲欢。从外在建筑而言，艺术的变化可谓日新月异，但它的本质却从未曾变过，那就是借由作品观照艺术家与观众的内心。因此，无论是过去的戏台，还是如今的装置，都不过是一种素材与工具。”在陈志光看来，真正能够“不朽”的是艺术对人生的体悟与表达。

　　走访过南北方不计其数的传统戏台，积累设计中的细节，最后陈志光选择以浙江台州的一座清代古戏台作为原型。“老辈人总讲，要活得体面。在人生的舞台上兜兜转转，如今我也步入不惑之年，慢慢地理解了这两个字的深意。”以“体面”为基调的设计，无论是四角高高翘起的屋檐，顶上的二龙戏珠，还是以金鱼与束莲作为纹饰的守旧，都给人以庄重与优雅之感。跟随他的讲解再仔细观之，不难发现他的巧思——传统戏台屋脊上的神兽，被那独具标志性的蚂蚁所取代。“每个艺术家都有自己的符号，我的符号肯定就是蚂蚁。”陈志光说：“在不同的作品中，我创作的蚂蚁大小不一、形态各异，但这个符号是一以贯之的。蚂蚁看上去是最渺小的动物，但从它们的身上我领悟到一种可贵的团队精神，这一点很值得人类学习。我将蚂蚁的特征与细节放大，给观众以视觉上的冲击，从而唤起大家对生命个体的尊重。”灯光下，蚂蚁身上斑斓的色泽与不锈钢的材质交相呼应，给原本古老沧桑的戏台增添了别样的活泼与灵动。

　　曾经，作为工具而被演出使用的戏台，无论它何其精美，都不过是一个被动、极容易被忽略的存在，因为演员们的表演才是观众瞩目的焦点。但是这一次，陈志光用《古戏台》使得这种关系发生了逆转，当锣鼓点敲响，观众凝神仰望，戏台本身也成为了别具意味的艺术形象。“2008年以后，我着意让作品走出美术馆，走向公共空间，去面对更为广泛的人群。因为我一直认为，装置艺术最吸引人的地方就在于它的互动性。”陈志光强调戏台自身的“表演性”，通过它实现与观众的对话。“当它被放置在公共的平台上，艺术家个人的色彩就会慢慢被消解，不同的观众会以自己的理解对它进行‘二度创作’，这是一个很有意义的过程。就好比荷兰艺术家霍夫曼创作的《大黄鸭》，每个人对它的解读都不尽相同，但如何评价都是他们的自由，我所期待的就是让大家从作品中发现乐趣。”

　　实验的《古戏台》

　　古戏台的建筑，与我国传统建筑的发展、演变密不可分；它作为戏曲表演的载体，又与百姓的生活习俗、文化传统有着千丝万缕的联系。同在国家大剧院中，与陈志光的不锈钢《古戏台》遥遥相望的，正是题为“小中见大——话戏台”的国家大剧院藏戏台模型展，那里展示的模型都是严格按照古戏台的规制和外观进行制作的。“在时间上，两者是一古一今；在空间上，它们的材质与建筑语言又形成了有趣的对话。古典与现代，这两种概念的和谐统一，同国家大剧院本身相当契合。”国家大剧院副院长杨玲如是说，“无论是前卫、新颖的建筑造型，还是接轨西方的剧院文化，这里都给人很现代的感觉。同时，作为国家表演艺术中心，国家大剧院又一直致力于让观众领略到我国传统文化、艺术经久不衰的独特魅力。”

　　从2009年开始寻访古戏台，杨玲与同事们在不断深入的走访中，也在不断调整着思路。古戏台承载着历史悠久、底蕴深厚的戏曲文化，见证着传统戏曲辉煌的往昔。另一方面，它不仅是古代能工巧匠聪明才智的精湛建构，更是今人学者钩沉史诗的生动资料。但古今沧桑，昨是今非。“有一项统计，在100年前，我国的戏台遗存还有10万座之多。如今是多少呢？只有1万座，想想真是很可怕。”杨玲感慨，昔日随处可见的舞榭歌台，风流却已被雨打风吹去。“作为一位当代艺术家，陈志光有很强的使命感，他在了解到古戏台保护的现状后，想以自己的创作引出人们对传统的回溯。与此同时，跟他沟通得越多，我们的思路也变得越来越开阔。”

　　究竟该如何定义这件装置作品呢？不同于传统博物馆中的展览，它是独立的艺术作品；与安静存在于美术馆的作品不一样，它又是能“表演”的。最终，“互动”成为了《古戏台》的关键词：它之于古戏台的展览，不再仅仅是一种延展，更形成一种对比、对照与对话。登上这座戏台的演出形式，不会局限在某个特定的范围之内。除了已经上演的昆曲、京剧、民乐四重奏，观众还有机会领略来自作者家乡福建漳州的木偶戏，甚至是西方的歌剧等等。

　　“不预先设定什么理念，也不带任何的主观色彩，我们希望带给观众的，只是尽可能多维度的呈现。当代艺术的价值，正在于它的实验性。因此，如果说一定要为这件作品做出定义的话，我想它应该是——实验戏台。”杨玲笑道。开放的演出、轻松的互动，对于不同的人也有各种意想不到的“实验结果”：有的摄影师会埋怨不锈钢的光泽太亮眼，拍不出漂亮的剧照；有的演员“吐槽”演出的形式太自由，观众任意来去，影响他们的表演；大部分的观众则觉得这样的形式很新颖，容易接受。“在每次的演出后，我们都会请大家来填写调查问卷，观众们的留言五花八门，也都很有意思。其实不用让一件艺术作品承载得太多，也没有必要板起脸孔提出什么沉重的问题。大家站在不同的角度彼此互动、相互启发，实验的目的就达到了。”

　　“……你道翠生生出落的裙衫儿茜，艳晶晶花簪八宝钿，可知我一生爱好是天然？”几十把椅子组成的“临时观众席”中间，身旁的老者眯着眼，跟着台上的曲调呢喃；打扮入时的“潮人”手中的咖啡香阵阵，她起初也许只因为咖啡室满员才落座于此，但这时也看得兴趣盎然。天地自其变者而观之，万物无一刻之停息；而自其不变者观之，山川无尽，天地永恒。与其感喟外在形式的变动，不如细品恒常如斯的艺术本质。于平凡的参与之中，融此刻的所感所悟，“目前”之不锈钢装置，不正暗合了千年前的古戏台。